Blind Melon é uma das bandas que acompanharam a minha infância, lembro-me quado eu era pequena minha irmã sempre me gritava quando passava o clipe no rain na mtv, e eu amava a letra, o som, a melodia. Infelizmente a banda só teve tempo para ficar conhecida como "a banda de uma musica só", pois o vocalista, Shannon, morreu jovem, resultado ao abuso de cocaina.
Até hoje quando eu digo que sou fã de blind melon, escuto a mesma frase: "Blind o que?", é uma daquelas muitas bandas que todo mundo já ouviu uma vez na vida, as vezes sabe até cantar, mas não sabe o nome da banda, mas acredite, a muito material bom, inclusive no youtube



Em 21/10/1995: Shannon Hoon (vocalista, Blind Melon) morreu de uma overdose de cocaína aos 28 anos. Shannon foi encontrado morto no ônibus da turnê de divugação do album "Soup" na cidade de Nova Orleans. "Soup" foi lançado no dia 15 agosto de 1995.
Richard Shannon Hoon (nascido em Lafayette, Indiana no dia 26 de Setembro de 1967) era o vocalista banda Blind Melon. Gozava de grande prestígio entre os fãs da banda, principalmente entre o público feminino, mas morreu de overdose de Cocaína no auge do sucesso. Dois meses antes de morrer ele deixou Los Angeles onde morava por cinco anos e voltou para Lafayette com Lisa Crouse sua namorada desde os 18 anos e com quem teve sua única filha, Nico Blue Hoon, nascida 13 semanas antes de sua morte.

Ele era amigo de infância de outro rock star de Lafayette, Axl Rose, que deu um empurrãozinho na carreira do Blind Melon ao chamar Shannon para participar do clip de Don't Cry.



Na sepultura de Shannon está escrito AMADO PAI E FILHO e uma frase da música preferida de Shannon, "Change" que é sua primeira canção e foi composta em 1986, quatro anos antes de formar o Blind Melon: "I know we can't all stay here forever, so I want to write my words on the face of today. And they'll paint it."
Quer ficar atual

Fonte: http://whiplash.net/materias/diaadia_mortes/057427.html#ixzz3lU1dqJQc

Para os 20 anos da morte de Shannon foi prometido aos fãs um documentário, feito com os videos pessoais gravados pelo próprio Shannon, que está em busca de patrocinio para ser executado, e eu confesso que estou ansiosa para que isso ocorra, afinal shannon não se separava de sua câmera, mais do que o próprio kurt cobain, que com seus videos teve um documentario maravilhoso lançado, já mencionado aqui, e espero de coração, que mesmo sendo esquecido por novos fãs, esse documentario venha se tornar realidade

Descanse em paz, Shannon.

Olá pessoal, mais um fim de semana chegando, e como já se tornou tradição, vim trazer dicas de 5 filmes assistidos por mim. O tema de hoje é filmes sobre drogas. Separei uma seleção dos filmes que mais gostei sobre drogas, todos com seu peso emocional e cenas chocantes, é muito interessante assistir sobre o lado degradante e osbscuro das drogas, sem demagogias ou coisas assim, então espero que vocês gostem
Vamos aos filmes de hoje:

1.CANDY

Este filme eu conheci a uns bons anos, quando decidi fazer uma maratona de filmes sobre drogas, foi sugestão do meu fornecedor de filmes, que ao me entregar disse: "Assista, e se não gostar, eu devolvo o seu dinheiro", realmente ele estava com a razão, candy tem várias cenas chocantes, uma bela fotografi e um enredo angustiante

O título e o cartaz deste filme pode enganar muita gente. Pode-se olhar para o cartaz e ver um sorridente e lindo casal apaixonado e achar que esta é apenas mais uma história de amor, mas isso significaria em um grande erro. Não que os dois não sejam um casal apaixonado, é só que esta história de amor está muito longe de ser linda e feliz. Talvez por isso seja um filme interessante.
O casal é Dan (Heath Ledger) e Candy (Abbie Cornish), dois jovens australianos viciados em heroína. O único interesse de Dan é poder manter os dois sempre altos, e nada além disso. O filme se divide em três capítulos: Paraíso, Terra e Inferno. Os personagens começam de um jeito e logo começam a "descer" até o inferno. Como é de se esperar, quanto mais descem mais eles sofrem. Pior é o vício e pior ainda se torna a maneira como eles vivem.
Não demora muito para Dan perceber que o vício crescente do casal tem um custo. Para um homem que não quer trabalhar, os custos se tornam cada vez mais difíceis de serem bancados. Apesar de conseguirem dinheiro por algum tempo com pequenos golpes e furtos, não demora muito para que Candy tenha que começar a se prostituir para conseguir dinheiro enquanto ele fica o tempo todo dentro de casa sem fazer nada.


Existe todo um mundo fora de suas vidas que eles mal fazem questão de fazer parte. Somente visitam esse mundo esporadicamente e por necessidade, geralmente para comprar comida ou comprar mais drogas. Provavelmente não sairiam para nada se pudessem. Algumas visitas aos pais de Candy lhes garante comida e às vezes algum dinheiro, enquanto visitas ao amigo mais velho Casper (Geoffrey Rush) rende heroína caseira feita por ele. Eles não tem outros amigos ou qualquer coisa parecida com isso, esse é todo o mundo que lhes interessa.
Filmes como esse tende a nos fazer lembrar de outros filmes, geralmente melhores, sobre o mesmo tema. Imediatamente me veio a cabeça Trainspotting, especialmente por conta da cena em que o casal passa por abstinência quando tentam se livrar das drogas. A cena já foi mostrada melhor, mas o diretor Neil Armfield tem um grande trunfo: seu casal protagonista. Ledger sempre teve uma grande capacidade de passar sentimentos para a platéia, aqui não foge do padrão mostrando sua dor. Se a cena não é muito inventiva, pelo menos não falta talento.
Não apenas para esta cena, mas por todo o filme. Ledger, não precisando disfarçar seu sotaque dessa vez, faz um personagem muito interessante. Ele é quase uma criança no corpo de um adulto. Quando pede dinheiro emprestado para os pais de Candy, parece um menino pedindo sua mesada para o pai. Além disso, há algo no seu olhar que impressiona, sempre vagando e nunca parecendo estar quieto. A surpresa do filme, porém, está na atuação de Cornish. Em nenhum momento ela fica de coadjuvante em cena e faz parte do filme tanto quanto ele.  Bem surpreendente.
Acredito que esses papéis são daquele que todos os atores clamam querer fazer. Papéis que surpreendam o público e que possam mostrar o quão talentosos eles realmente são, mas que depois que alcançam o sucesso poucos tenham coragem de realmente arriscar a fazer.

Fonte; http://resenhafilme.blogspot.com.br/2011/05/candy.html

2. SPUN

Spun é simplesmente um turbilhão de coisas acontecendo, acompanhando 3 dias do mundo louco de seus personagens viciados

Spun é um desses filmes que você acha por acaso anos depois do ano de lançamento, talvez pelo peso do filme, talvez porque a realidade que ele mostra é demais para os frágeis olhos dos humanos normais.

Filmes como Spun e o próprio Defendor do qual eu falei antes poderiam tranquilamente concorrer a alguns Oscars no lugar de vários filmes que já levaram algumas estatuetas e não mereciam. Porém ele é o tipo de filme que a "academia" não aprova, e ai você se pergunta "Mas o Oscar não é pra eleger o melhor?" e ai eu te digo "Depende, depende muito".

Ultimamente a "academia" tem sido mais tolerante, mais mente aberta (vide Guerra ao terror, Juno, Crash, District 9, Pequena Miss Sunshine...), só que mesmo assim Spun é o tipo de filme que não se enquadraria. Spun é sim mais pesado que Requiem for a Dream em diversos momentos, Spun é um Requiem enfatizado. Ele está inteiramente focado na cocaína e a cocaína é o seu personagem principal e os outros, secundários, são ótimos atores (Mickey Rourke, Mena Suvari, Brittany Murphy, John Liquizamo...) que fabricam, traficam, levam, trazem, cheiram, injetam o personagem principal


Spun é genial ao que se propõe (mostrar do início ao fim o caminho da droga e consequentemente o fim - literalmente - daqueles que a consomem, é um road movie sobre a cocaína) e deve ser assistido de forma descompromissada, sozinho e se mesmo assim quiser assistir acompanhado consiga apenas mais uma pessoa que você sabe que conseguirá acompanhar a linha de raciocínio e a loucura que é Spun.

Aprecie Spun, sua fotografia, seu roteiro, sua trilha sonora fantástica (a versão de Number of The Beast acima está na trilha), seus personagens caricatos, sua direção louca, sua realidade crua...

E ficadica crianças, não é preciso utilizar drogas para atingir pontos "críticos" de alegria, tristeza, excitação... Procure isso em si mesmo, procure isso no seu organismo, fabrique a loucura ou seja lá o que for que você precise, e aprecie (assim como o filme) com moderação.

fonte: http://receptaculocubicular.blogspot.com.br/2010/03/resenha-do-filme-spun.html

3. REQUIEM FOR A DREAM

Mias um filme de Leto aparecendo por aqui, dessa vez num sucesso cult que sem duvidas desta lista é meu favorito ganhando de desparar, tanto quanto pela sua fotografia quanto pela trilha sonora, e mostra não só o vicio em drogas ilegais, como também sobre o viio em dietas, tv e remedios receitados

Dirigido por Darren Aronofsky, Réquiem Para um Sonho, assim como seu filme anterior Pi, constitui-se de montagens de cenas extremamente curtas. Na média, um filme de cem minutos possui entre seiscentos a setecentos cortes, já  Réquiem apresenta mais de dois mil. Outro recurso usado é a divisão da tela.

As cenas intensas do filme são alternadas rapidamente e, acompanhadas por uma trilha sonora, ascendem intensamente. Após o clímax, há uma breve serenidade até o final, o qual retrata quatro vidas devastadas.

O filme é uma visão frenética, perturbada e única sobre pessoas que vivem em desespero e ao mesmo tempo cheio de sonhos. Harry Goldfarb (Jared Leto) e Marion Silver (Jennifer Connelly) formam um casal apaixonado, que tem como sonho montar um pequeno negócio e viverem felizes para sempre. Porém, ambos são viciados em drogas, o que faz com que repetidamente Harry penhore a televisão de sua mãe (Ellen Burstyn), para conseguir dinheiro, tendo sempre ao seu lado seu amigo Tyrone C. Love (Marlon Wayans), cujo sonho é escapar das ruas e deixar sua mãe orgulhosa. Os três, na tentativa de realizarem seus sonhos, se envolvem com narcotráfico. Já Sara, mãe de Harry, é viciada em assistir programas de TV. Até que um dia recebe um convite para participar do seu show favorito, o "Tappy Tibbons Show", que é transmitido para todo o país. Para poder vestir seu vestido predileto - o que não é pura predileção, o vestido assume uma simbologia maior sobre o sonho americano na vida desta personagem, pois foi este o vestido que ela usou na formatura de seu filho, o momento de mais orgulho de sua vida, e também era o vestido que seu finado marido mais gostava - Sara começa a tomar pílulas de emagrecimento receitadas por seu médico que nem sequer olha para a paciente. Aos poucos, Sara começa a tomar cada vez mais pílulas até se tornar uma viciada neste medicamento.


Com estrutura de fábula, o filme passa por três momentos, verão, outono e inverno, que mostram a queda em espiral do auge da felicidade e conquistas dos sonhos (verão) e chega na mais profunda devastação de suas almas (inverno). A sanidade de Sara se vai e ela acaba hospitalizada contra a vontade, onde ela passa por tratamento de choque. Harry e Tyrone viajam para a Flórida, acreditando poder recomeçar a vida lá, mas a condição cada vez pior do braço de Harry o força a ir ao hospital, onde eles são presos após o médico se espantar com o estado de seu braço e reconhecer a situação como típica de um viciado. Harry tem seu braço amputado. Tyrone precisa lidar com guardas racistas e hostis, trabalho forçado e abstinência das drogas sozinho. Marion vai se degradando em orgias em troca de heroína, enquanto Sara torna-se catatônica em um asilo para doentes mentais.

Mais do que um filme sobre drogas, a obra de Aronofsky trata sobre a obsessão da humanidade com a evasão e a necessidade de se preencher um vazio. Apesar do filme não tratar só a juventude, três dos quatro personagens centrais do filme (Harry, Marion, Tyrone) são jovens que querem elevar suas vidas a um outro significado que fuja da estrutura familiar social estadunidense que lhes é esmagadora, principalmente no caso de Marion, que vem de uma família rica cujos pais pagam seu apartamento e suas sessões de terapia, que ela abandona sem eles saberem. Numa fala do filme, quando perguntada por Harry porque não se dá bem com seus pais, Marion diz que não é o dinheiro que ela quer dos pais. A vida confortável que ela pode levar com os pais não é suficiente para encher o vazio existencial de seus sentimentos. A rebeldia desses personagens perante um mundo que não lhes pode ser completo os leva a sua destruição através de seus vícios.


Ainda que, com estrutura de fábula, como disse o próprio diretor, o filme possua uma “lição de moral”, este não chega a ser moralizante. É um ataque contras as drogas sem dúvida, mas é mais uma penetração nas profundezas das almas desses personagens, que fogem da realidade que não lhes pode ser saudável e entram na crença de seus delírios. Contudo a saída que escolhem – seus vícios - não é capaz de socorrê-los. Nem a realidade do sonho americano que o filme desfigura , nem o caminho pelos vícios é a solução. Nas palavras de Aronofsky, “as quatro personagens têm muitos sonhos e esperanças, mas a dureza de sua realidade os destrói devagar”[2].

Com uma direção excepcional e atuações brilhantes, principalmente de Ellen Burstyn, que concorreu ao Oscar de melhor atriz, o filme é uma análise “barra pesada” dos vícios, muito criativo e original. Infelizmente, a distribuidora errou em lançar no Brasil a versão cortada; nos EUA há outra melhor, sem censura, que passou nos cinemas e virou cult.

fonte: http://resenhas-rej.blogspot.com.br/2009/07/requiem-para-um-sonho.html

4. PÉSSIMOS HÁBITOS

Esse vai ser um dos filmes com a menor resenha postada nesse blog, o motivo é que se acha muita pouca coisa escrita sobre ele na internet, apesar de ser fácil achar links para assistir online. Ele é um daqueles filmes atemporais, que conta a historia de várias pessoas da mesma cidade, histórias que acabam se ligando uma por uma no final..
Recebi esse filme da mesma pessoa que me deu o candy, para aumentar minha coleção de filmes sobre drogas
vamos a sinopse:


Jovens moradores da pequena cidade de Athens, no estado americano do Arizona, apesar de residirem num local pacato, suas vidas não têm nada de tranqüilo, regadas a drogas, sexo, violência e pequenos crimes. Entretanto, o final deste dia reserva uma surpresa para eles, já que suas ações encontrarão conseqüências drásticas.

5. TRANSPOITTING

Trainspotting é um dos filmes que dispensam apresentações, simplesmente um ícone para o cineme junkie

"Trainspotting - Sem Limites" é um filme britânico de 1996, do gênero drama, dirigido por Danny Boyle e com roteiro baseado em livro homônimo do escritor Irvine Welsh. O filme conta a vida de um grupo de jovens viciados em heroína em Edimburgo, na Escócia. Num subúrbio de Edimburgo, quatro jovens sem perspectivas mergulham no submundo para manter seu vício pela heroína. "Amigos", que são ladrões e viciados, caminham inexoravelmente para o fim desta amizade e, simultaneamente (com exceção de um do bando), marcham para a auto-destruição.
Logo no início do filme “Trainspotting”, apresenta-se a fala de um personagem que diz: "escolha viver. Escolha um emprego. Escolha uma carreira, uma família. Escolha uma televisão enorme. Escolha lavadora, carro, CD Player e abridor de latas elétrico. Escolha saúde, colesterol baixo e plano dentário. Escolha viver. Mas por que eu iria querer isso? Escolhi não viver. Escolhi outra coisa. Os motivos? Não há motivos. Quem precisa de motivos quando tem heroína?”.


É com esse discurso inicial no filme que podemos perceber, também, a ideia da procura de controle e de algo padronizado sobre a vida. O costume de escolher carreira, família, carro etc., no discurso desse personagem, nos remete ao conceito de uma vida segura, estabilizada e previsível, onde tudo está no seu lugar. Fugir deste controle é entrar na angústia. Então, se faz necessário criar um sentido para a nossa existência para se combater o sem-sentido que gera a angústia. Nem que este sentido seja escolher um carro ou se tornar um consumidor alienado (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).
Através da ciência, no mundo contemporâneo, o homem procura dominar as circunstâncias da vida. Mas há um preço a se pagar por essas ilusões de controle e previsão, que é administrar a angústia no seu modo patológico de expressão, como as fobias, compulsões, estados de pânico e depressão. Então, o ser humano, na sua ilusão de controle sobre o devir, não aceita a angústia como sinalizadora da limitação da ciência e dos padrões sociais de uma vida, que tenta explicar os fenômenos da vida perdendo a angústia como espaço de reflexão privilegiado sobre a existência (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).



Assim, “em nosso contexto histórico, a angústia é, em geral, considerada uma condição patológica que deve ser ‘aliviada’ por terapias ou medicamentos. O bem-estar humano encontra-se, cada vez mais, dependente de saberes técnicos especializados” (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, pag. 7, 2009).
Mas o personagem do filme evidencia, desde o início, essa não-necessidade de viver uma vida padrão que tenta ter o controle sobre o devir, no entanto, para compensar a sua angústia de um mundo fora do modelo padrão, ele se envolve com as drogas, quando o mesmo diz: “[...] não há motivos. Quem precisa de motivos quando tem heroína?”. A heroína se torna em uma fuga. O que reafirma também a angústia como algo patológico. Assim, se a vida do ser humano perde o sentido, e a segurança sobre o devir se desfaz, ou seja, não há ninguém que lhe diga sobre o que seria a referência para viver, se tem então a necessidade de curar a angústia através de especialistas, combatê-la pelo envolvimento com as ocupações úteis ou se entregar as drogas. A angústia aponta para a dimensão trágica da existência, a fragilidade, vulnerabilidade e a finitude perante a vida, e isso as pessoas tendem em não reconhecer (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).
O sujeito que rompe com as familiaridades cotidianas, com os padrões, com as respostas científicas que passam segurança sobre o devir, mostra que o território da angústia é exatamente esta insuficiência de qualquer território antecipadamente formado ou explicado (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).
Se a proliferação de respostas científicas, religiosas, moralizantes e a padronização de uma vida segura não podem deter a devastação do mundo enquanto habitação existencial; se em algum momento o sujeito pode fugir destas respostas, dando a entender que elas não são o suficiente para suprir a falta que ele tem, é perceptível que a angústia é algo que nos é essencial e, sendo assim, assumirmos nossa singularidade é fundamental para que existam outros modos de experiência da angústia, outras formas de desvelamento do real (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).
Desse modo, o personagem do filme tenta sair dessa patologização da angústia como marcas recorrentes dos modos de produção de subjetividade na época contemporânea, mas, ao invés de saber lidar com a nova demanda, que é conseqüência de uma vida sem sentido por não ter mais aquela sociedade atual que lhe fornecia este sentido, o personagem se envolve com as drogas para suprir o seu sem-sentido da vida. Isso mostra o quanto a sociedade do consumo, da ciência e da moral, padronizou a subjetividade humana, lhe ensinando como ser feliz, ao invés do próprio sujeito aprender a lidar com a sua singularidade e ser feliz ao seu modo (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009). trainspotting1.jpgAssim, percebe-se o papel essencial da angústia na dinâmica da singularização da existência humana e a importância da ciência apropria-se desta questão não como uma reforçadora de patologias, mas abrir espaço para os processos de singularização que a angústia pode propiciar, pois é preciso que se aproprie de outras possibilidades, para além das dadas pela ideia de patologizar a angústia. (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).



A angústia não pode ser vista como mero transtorno neuroquímico ou subjetivo a ser sanado por algum tratamento farmacológico ou psicoterápico adequado, mas como um espaço para uma nova formação do ser, já que a angústia pode ser uma possibilidade de uma experiência mais própria do existir enquanto ser-no-mundo. Aprender a lidar com ela é aprender a lidar com nosso existir e com tudo o que, a partir dele, nos vem ao encontro (DANTAS; SÁ; CARRETEIRO, 2009).
O que pode ser compreendido nesse contexto é que a vida é insegurança. A cada momento nos dirigimos para uma insegurança maior. É um apostar. Nunca se sabe o que vai acontecer. E é belo que nunca se saiba. Se fosse previsível, não valeria a pena viver a vida. Se tudo fosse como se gostaria que fosse e se tudo fosse uma certeza, não seriamos ser humano, seriamos uma máquina. Só existem certezas e seguranças para as máquinas.

Fonte: http://lounge.obviousmag.org/marcelo_vinicius/2013/02/reflexao-sobre-o-filme-trainspotting-e-a-patologizacao-da-angustia-no-mundo-contemporaneo.html#ixzz3m8T3fwN9

Bem, é isso ai pessoal, essas foram as dicas de hoje, lembrando que qualquer sugestão de fimes pode ser deixdo nos comentários que eu adorarei conecer fimes novos

De certa forma eu escolhi que seria sobrevivente no últero da minha mãe, quando a vida me expulsou de lá de dentro aos 8 meses, fraca e doente, eu disse "oras, já que eu sai, deixe-me ficar", e fiquei até a vida começar a testar a minha vontade de viver, primeiro com a arma que falhou no tiro que devia ser disparado acidentalmente pela minha irmã, depois aquela maldita pneumonia que me deixou em coma por um tempo consideravelmente bacana para os médicos pensarem em desligar a parada toda, mas a minha mãe não deixou quieto.. "ela fica nesse mundo", foi rezar e Deus pessoalmente me trouxe de volta pro corpo pela mão, eu ouvi ele me dizer "Volta que não é a hora", e obedeci, e então vieram todos aqueles dramas de hospitais, de doenças, de disturbios, e em 2011 eu achei que eu pela primeira vez iria por opção.. "não tem o que fazer, ela está morta, disse o policial", mas olha lá, não é que eu voltei? o protetor me botou de novo em órbita e pude vê-lo outra vez..." Vai ficar aqui sim pra aprender a deixar de ser besta"... Só que voltei piorada na conciência de saber o que é a vida, e o que é a morte... e o pior: saber que é a morte em vida. Todos os dias eu quero festejar, viajar, amar como se fosse o último, é como se eu visse o poço e o pendulo, a ampulheta de areia que rege nosso tempo de vida e cada dia caem mais grãos. Me irrita as pessoas não terem a mesma conciência, dá vontade de gritar: Olhe para o mundo lá fora, olha quantos lugares que você não conhece, quantas pesoas que você nunca viu, quantos mares que você nunca nadou!Porém logo tomo a conciência que essas palavras também servem para mim, quero mudar tuo isso, mas não dá, me sinto como um astronauta que ficou sem gasolina durante sua viagem no tempo, e caiu bem onde não queria estar, num mundo moderno onde as pessoas criam coisas para estarem acomodadas, e trabalham 24 horas por dia para comprar tudo o que as distânciam do significado de viver de verdade.
Eu estou no lugar errado, ou não encontrei as pessoas certas ou um modo certo de viver?




Talvez eu seja louca, visionaria ou sonhadora, mas deveria existir uma cidade subterrânea para pessoas assim, onde todo dia apreciariamos os sorriosos, as conversas, as experiências e os toques, um lugar pafudê, cheio de gente querendo viver intensamente... e eu espero que eu realmne consiga estar nesse lugar e sentir que estou realmente vivendo, E NÃO SOBREVIVENDO...
antes que eu decida desembarcar daqui outra vez.

Olá Pessoal, mais um fim de semana chegando, então é hora de fazer aquela listinha esperta de filmes para quem vai ficar em casa curtindo um edredom. Sozinho ou acompanhado, um bom filme sempre é a melhor pedida.
Hoje trago para vocês 5 filmes com protagonistas crianças, que eu considero um tanto quanto chocante, então por favor, publico 18+ na sala na hora de dar Play. Todos esses filmes você encontra facilmente online, e tem histórias pesadas, de infância traumática e dificil, carregadas de cenas bizarras, mas vale a pena ver o lado mais cruel da sétima arte também, amadurecer a cabeça e expandir os horizontes.
Bem, vamos aos filmes de hoje:

1. AS VIRGENS SUICIDAS

Esse filme me apareceu como indicação no facebook, após eu postar um outro filme que eu estava assisindo, o nome já me chamou a atenção, e foi dificil encontrar uma versão online sem falhas na internet para ver. realmente a historia das 5 irmãs é uma das que ficaram na minha cabeça, o jeito delas, sonhador e espontaneo também faz nos envolvermos bastante com as personagens


Cinco - logo depois, com a morte da caçula, quatro - meninas maravilhosas, na idade de descobrir o sexo e a vida, recebem uma educação ultra-conservadora e praticamente não têm chances de sair com rapazes. Seus pais, contudo, não são monstros. São parecidos com milhares de pais do mundo todo, cuja religiosidade extremada e convicções morais que beiram o fundamentalismo reprimem a explosão da adolescência, criando conflitos dificílimos de administrar. E agem dessa maneira não por maldade, e sim por amor às filhas. As tentativas de suicídio da mais jovem, Cecilia - a primeira, frustrada, e a segunda, mortal – fazem os pais flexibilizar e depois, assustados, radicalizar sua vigilância sobre as filhas restantes, construindo um caminho sem volta para a inevitável tragédia familiar.

Num primeiro olhar, o enredo e os cenários (cidade pequena, colégio, bailes de adolescentes) lembram Carrie, a estranha, mas esse vínculo é superado rapidamente pela delicadeza da narrativa, muito distante dos maneirismos de Brian de Palma. Por outro lado, Sophia Coppola não quer (ou não consegue) estabelecer uma identificação mais profunda do espectador com o cotidiano das meninas, porque seu drama é observado à distância, por quatro rapazes da vizinhança, que funcionam como narradores desde o início do filme. Este artifício tem conseqüências positivas - permitindo uma reflexão poética, tranqüila, quase nostálgica (eles contam a história conscientes da tragédia final) sobre os fatos – e negativas, "esfriando" a trama e esvaziando a dor das meninas. Provavelmente foi uma escolha consciente da diretora, que assim fugia, sem dúvida, de um enfoque demasiadamente feminista.



O roteiro privilegia uma das garotas - Lux Lisbon, a mais bela, a mais provocante, interpretada pela diabólicamente angelical Kirsten Dunst - e conta a história da perda da sua virgindade. Um novo personagem, colega de escola e desejado por todas as meninas da cidade, é introduzido para fazer o serviço. O ator, Josh Hartnett, é competente, vem acompanhado de três amigos igualmente verossímeis, e toda a cena do baile e da transa é bacana; contudo, de repente, os quatro rapazes narradores ficam muito distantes dos acontecimentos, só conseguindo retomar sua força dramática nas últimas cenas. Talvez uma maior condensação de personagens tornasse As virgens suicidas um filme mais poderoso, mais emocional, mais intenso, sem perder o clima poético que a diretora claramente persegue e obtém.

Uma última palavra sobre Kathleen Turner, a maravilhosa atriz que fazia a temperatura subir até o ponto de ebulição naquela banheira de Corpos Ardentes (1981). Ela está magnífica como a mãe das virgens, e seu desempenho é tão desglamurizado que chega a ser assustador. "Ela está velha...", provavelmente vocês estão pensando, mas o cinema tem ferramentas muito eficientes para vencer, ou atenuar, vinte anos de deterioração física. Nesse mundinho de aparências fúteis, de plásticas, silicones e rostos que parecem estar conservados num balde de formol, ver Kathleen Turner, em Virgens Suicidas, com todas as rugas a que tem direito, é uma lição de vida. Da fragilidade da vida. E de como um filme, dirigido por uma mulher, pode desmontar, sem alarde, a equivocada visão masculina da eternidade das musas do cinema.

2. MISS VIOLENCE

Descobri este filme em uma das minhas buscas aleatórias em categorias de drama, na semana passada, e logo no começo o filme já mostra seu ar pacatamente morbido. Apesar de já começar com uma cena chocante, o filme se mostra parado até as coisas mudarem repentinamente de rumo, e as historias por tras da familia começarem a surgir uma por uma, e as peças começarem a se encaixar. Aviso que o sentimento de revolta vai imperar a todo momento.

Miss Violence começa com uma festa infantil: um bolo, garotas loiras em vestidos de cor pastel correndo e brincando em volta da sala, balões. Lentamente a câmera se afasta da festa e acompanha Angeliki, a aniversariante, toda vestida de branco, em direção à sacada. Ela então olha para o espectador, sorri desafiadora e se joga.

Alexandros Avranas lança então seu filme como um desafio: o sorriso de Angeliki torna o espectador seu cúmplice e ao mesmo tempo o acusa. Algo acontece ali, algo está obviamente errado com aquela família, mas todos, amigos, assistência social, professoras, parecem cegos. Angeliki, a protagonista que sai de cena nos primeiros segundos de filme, convida o espectador a ver.

A câmera de Avranas está quase sempre na altura dos olhos de uma garota de 11 anos e boa parte do seu filme é feito em subjetivas, transformando o apartamento de três quartos, onde quase tudo se passa, em um labirinto, ou melhor, nas estranhas de um animal assustador. Há uma constante sensação de claustrofobia e soterramento, como se aquele apartamento de classe média em Atenas estivesse quilômetros abaixo da terra.

E de alguma forma, para suas habitantes, ele está. Myrto e Alkimini vivem um inferno que vai, aos poucos, se descortinando para o espectador conforme os habitantes dele lhe são apresentados. Myrto é adolescente, Alkimini uma criança de 8 ou 9 anos, elas vivem com Eleni – a quem Myrto trata de irmã, mas Alkimini de mãe –, o pai e uma avó. É na fala das garotas que começam a se descortinar as estranhas e suspeitas relações familiares.



Avranas fornece logo nos primeiros minutos todos os elementos para que a história de incesto e escravidão seja compreendida, mas ele não a revela explicitamente até quase uma hora de filme. Ao fazê-lo, ele sustenta o desafio de Angeliki: você pode ver, mas talvez escolha não fazê-lo, talvez se decida que o que parece estar acontecendo é terrível demais e você deve estar enganado, talvez decida que não é seu problema. Elementos suspeitos surgem o tempo todo na frente dos assistentes sociais que passam a frequentar a casa para investigar o suicídio – estão no comportamento de Myrto na escola, na quase catatonia da avó –, ainda assim, ninguém faz nada.

O tensão do filme se coloca entre as visitas da assistência social, que tentam investigar o suicídio de Angeliki, o pai que jura que tudo não passou de um acidente, e o desespero de Myrto para sair da situação. Eleni e a avó passeiam pelo filme quase como zumbis, e Alkimini é pouco mais que um cordeiro para o abatedouro. No entanto, conforme a história avança, a tensão vai se mostrando cada vez mais impassível: a única saída foi a adotada por Angeliki, quando a irmã mais velha lhe contou o que a esperava.

Os últimos anos têm visto uma onda que pode ser denominada de “novo cinema grego”: filmes de alta experimentação formal que tratam das mudanças na sociedade grega e, principalmente, da crise econômica. Todos Os Gatos São Brilhantes e O Garoto Que Comia Alpiste (candidato grego ao Oscar de 2014) são exemplos, mas o título mais famoso dessa safra é sem dúvidas Dente Canino. A história de incesto, estupro e isolamento revestida de humor negro chegou a ser indicada ao Oscar de melhor filme estrangeiro e colocou o cinema grego no mapa. O filme chamou atenção por não ser inteiramente dominado por seu tema, ele era desenvolvido com um olhar distanciado e um formalismo frio.


É impossível não compará-lo a Miss Violence: ambos falam de incesto e encarceramento familiar usando uma rigidez técnica que distancia a tragédia. Os planos de Avranas são matemáticos, duros, sempre emoldurados por formas geométricas do cenário. A paleta de cores é uniforme e adocicada, repleta de tons femininos e infantis, o que vai ganhando um gosto de ironia amarga conforme o longa avança. As atuações são contidas, mínimas, realçando a sensação de prisão dos personagens.

O formalismo e a rigidez fazem muito por filmes como esses. Ao apresentar a coisa sob uma ótima fria, os diretores evitam o melodrama e o excesso de manipulação emocional que enfraqueceria suas obras. Da forma como existem, Miss Violence e Dente Canino são de uma força extraordinária, relatos crus e sem disfarces de um horror que nos acerta nas vísceras.

É importante considerar também que esse novo cinema vem do lugar onde as artes cênicas são mais antigas. Avranas não nega a influência da tragédia grega e ela aparece de duas formas diferentes. Nas peças antigas os personagens são empurrados a ações condenáveis (por exemplo, o sacrifício de uma filha pequena) pelas circunstâncias ou pelos deuses, não há qualquer autonomia humana. Em Miss Violence o pai poderia acusar a crise econômica e a dificuldade financeira por enganar o sistema de assistência social e prostituir a filha pequena, mas seu genuíno prazer na violência que inflige é inegável. São as meninas as personagens trágicas, sem qualquer saída exceto a morte.

A crise econômica não está ausente de Miss Violence, mas ela aparece apenas como comentário passageiro, ou pano de fundo. O tema de Avranas parece ser muito mais o potencial violento e obscuro da natureza humana, o horror dos nossos impulsos quando não colocados em cheque, e dessa forma seu filme, embora hermético e claustrofóbico, acaba se transformando em possível aviso. Ele não desvia o olho do potencial violento e dominador do ser humano, algo importante de se ter em mente em um país que parece à beira de explodir.

fonte: http://www.posfacio.com.br/2014/09/25/critica-miss-violence/

3. THIS IS ENGLAND

Eu encontrei esse filme na mesma categoria que encontrei Miss Violance, e sem duvidas é um filme chocnte, pois mostra num triangulo detalhado, duas vertentes dos Skin Heads, envolvendo um garotinho que só queria ser aceito e acolhido num grupo, desobrindo com os mais velhos como a vida funciona, e apesar do meio em que vive, guarda ainda seus valores juvenis

Lançado em 2006, dirigido por Shane Meadows, This is England narra a história de um garoto de 12 anos, Shaun (Thomas Turgoose), morador de um bairro operário em 1983. Após perder o pai, na Guerra das Malvinas (abril a junho de 1982), e ser vítima de outros alunos na escola, o menino se envolve com um grupo de jovens skinheads. A película então nos apresenta rapazes e garotas que se divertem ao som de músicas de origem jamaicana como o ska, vestindo jeans com suspensórios, camisas Ben Sherman, botas Doc Martens e adotam os cabelos raspados.

    Shane Meadows é conhecido por incrementar fatos autobiográficos em suas produções. Em This is England, o diretor concebeu uma trama baseada em sua própria experiência com um grupo skin do seu bairro – Westlands Road, área de Uttoxeter, Staffordshire. Meadows explora o contexto em que muitos desses “cabeças raspadas” surgiram ou foram se modificando.
    História envolvente e com atuações consagradas – Thomas Turgoose, Stephen Graham, Joe Gilgun, Adrew Shim –, além de música, figurino, fotografia e cenários bem adaptados aos anos 80 do século XX e aos primórdios do movimento Skinhead na Inglaterra, This is England é mais do que uma produção cinematográfica de sucesso. Poderíamos pensar em This is England como um laboratório, como um objeto de estudo a ser analisado pelo menos em três pontos importantes.
     Em primeiro lugar, o filme apresenta o movimento skin ainda em formação. A narrativa reconstitui parte desse universo underground, em que os jovens ainda eram mais conhecidos pelas vestimentas inspiradas em operários e pelas músicas que ouviam, sem qualquer conexão imediata com uma apologia da violência ou uma pedagogia da intolerância.
    É este desvio para práticas de inspiração fascista o cerne do segundo aspecto fundamental do filme. Isto aparece na mudança ocorrida no grupo de jovens skins após a sua divisão, um processo que dá origem a um segundo segmento com idéias racistas e acentuado nacionalismo. O catalisador desta cisão é o personagem Combo (Stephen Graham), membro que havia sido preso, retornando com um discurso de defesa aos ingleses e explícito no ataque aos imigrantes.


    Outra peculiaridade do filme This is England é seu uso do audiovisual como fonte histórica. Encontramos isso nas cenas formadas por registros de telejornais inseridas no filme: há soldados ingleses voltando da Guerra das Malvinas,  passeatas  de operários contra o Governo Thatcher e imagens de ataques a imigrantes. Deste modo, Meadows procurar mostar que conta uma história verdadeira, nada fantasiosa. A cenografia do filme é cuidadosa. Sutilmente aparecem pichados nos muros ataques ao Governo inglês, homenagens a bandas surgidas naqueles tempos como Specials, The Upsetters, Soft Cell, Dexy’s Midnight Runners e Sckrewdriver.
    Estes três aspectos analisados sobre This is England não esgotam as possibilidades de interpretação e uso deste filme ou as intenções do diretor. Antes, elencar esta tríade é provocar uma discussão sobre o papel do filme na investigação histórica. É ressaltar a sua contribuição sobre o que foi o movimento skinhead nos anos 1980. Por fim, é entender o filme como mais do que uma ferramenta histórica, mas como um grande laboratório para refletir sobre os problemas do tempo presente.

4 - GUMMO

fonte: http://letrasdepijamas.blogspot.com.br/2014/06/resenha-de-filme-o-jardim-dos-esquecidos.html


É isso ai pessoal, essas foram as dicas de hoje, antes de assistir aos filmes, assista ao trailer primeiro, todos tem trailers no youtube, e tenha certeza que irá querer ver, depois não diga que não avisei ;)

beijos

1 - Domingo passado foi dia de fotos com a Kasha Lee para tentar um perfil de hopeful no site Suicide Girls, tentei uma vez com um amigo este ano, mas não deu certo, então agora decidi fazer nova tentativa, e ansiosa para que dê certo <3 p="">
2 - Apaixonada pelo brinco de heartagram que comprei no piquenique alternativo, também no domingo, é da (in) verse store, de acrilico, e virou minha paixão

3 - Estive acamada essa semana, uma emana cheia de dores e desanimos, mas aproveitei pra distrair a cabeça criando novas peças para a dark paradise, que já podem ser vistas no site; www.darkparadise.iluria.com

4 - Show do metallica no rock in rio, tocaram as duas músicas que inspiraram essa tatuagem, que fiz em punta arenas, cidade de passagem para o fim do mundo, as musicas são "Wherever I may roam" e "Turn the page", logo me despertou aqueles sentimentos de voltar para a estrada, pretendo viajar em breve

5 - Duas semanas estando doente, uma semana de cama, sabe  que é isso? Isso são muitas fotos em preto e branco definindo meu humor melancolico, numa semana que nada acontece e que a energia está acumulada

6 - Sabado comecei a melhorar, e fui ao aniversário da Dani, idealizadora do projeto dia do Click, o tema era fantasia, e aproveitei um figurino que fiz para um ensaio de Poison Ivy e decidi me jogar de maiô no parque, muito amor ^^

Para acompanhar minha semana na integra pelo instagram, me siga: @akasha_lincourt

beijos e até mais

Olá pessoal,
O fim de semana está chegando, e é hora das nossas dicas de filme, para quem vai passar o final de semana em casa, ou para quem vai acordar no dia seguinte com aquela ressaca monstra sem querer ver a luz do sol, ou até para você que está deprimido demais para viver pelo fato de todos seus amigos estarem no rock in rio, e você não.
O ultimo post sobre filmes com a temática rock fez tanto sucesso que resolvi enveredar para estes lados novamente, e hoje trago para vocês dicas de 5 filmes que assisti inspirados em bandas, e lha só, passei essa semana doente, então deu pra ver bastante coisa "nova" pra minha biblioteca mental de filmes
Vamos aos filmes de hoje

1 - LAST DAYS - ULTIMOS DIAS

Kurt Cobain teve uma morte chocante e rodeada de mistérios que duram até hoje, logo surgiram diversos documentários e filmes inspirados em sua vida, e obviamente em sua morte. Este filme não é para ser assistido numa visão de fã de kurt cobain e sua banda, mas numa visão metafisica  sobre degradação e morte. Eu lembro que na época do lançamento desse filme foi um bafafá, por que todos sabemos os barracos que a senhora Cobain, Courtney love, faz a cada filme não autorizado, assim o filme não leva o nome de kurt, o personagem principal leva o nome de Blake, interpretado pelo meu ator favorito, Michael Pitt. O filme é de Gus Van Sant, e vem de uma trilogia de filmes sobre a morte, o que enfatiza a fotografia depressiva do filme, mostrando Blake como um personagem isolado, decadente e fraco. O filme é um pouco confuso, extramamente poético, mas acredito que vale a pena ser assistido, mas para melhor entendimento, recomendo o texto abaixo:


“Last Days” lida com temas abstractos e metafísicos, encerrando a Trilogia da Morte de Gus Van Sant, iniciada com “Gerry” e secundada por “Elephant”. Em “Gerry”, a morte é acidental, causada pela despreocupação. Dois amigos deambulam pelo deserto, perdem-se e nunca mais são encontrados. Em “Elephant”, a morte é apresentada como um assassínio deliberado, mas sem significado. Dois amigos elaboram um plano para matar estudantes e professores da sua escola e acabam igualmente aniquilados. Agora em “Last Days”, a morte imerge uma personagem cujo frágil ego é incapaz de se identificar com os cânones da existência.
Na sociedade contemporânea, a morte de uma personalidade famosa é alvo de uma intensa análise especializada, onde são decifrados motivos, causas, origens e disposições com uma tremenda facilidade. Van Sant foge aos alarmantes arquétipos e perpetua um longo estudo silencioso. Vários livros e documentários foram apresentados, mas nenhum atinge o artístico e sonhador “Last Days”, uma meditação existencial sobre Kurt Cobain.
A sua cadência glaciar irá ser abominada pela audiência comum. Consigo contar pelos dedos da mão, os espectadores que irão reverenciar a qualidade hipnótica e poética desta viagem fascinante à torturada psique de um indivíduo. “Last Days” apodera-se do ícone de Kurt Cobain num filme sobre solidão, desespero, alienação, depressão e futilidade. A aproximação oblíqua e elíptica de Van Sant, bem como o ritmo lento, irão desesperar um número copioso de espectadores convencionais. Mas o que significa realmente movimento? Será algo que apenas conseguimos constatar através dos saltos, das mudanças abruptas de ângulos, numa frenética edição com mais cortes que a face de Eduardo Mãos-de-Tesoura? Van Sant tem uma visão mística da vida e expõe o quotidiano de um ser humano, no qual o mais subtil acto representa uma iniciação ritual. As actividades de Blake representam de certa forma as nossas acções quotidianas, enquanto nos encaminhamos para o inexorável fim.


A manipulação do audiovisual por Van Sant é fenomenal. Os planos meticulosos, a ambígua e bela edição, o som intrincado e o imaginário religioso adornam esta Obra-Prima. A fusão de realismo com sentimentos e fantasia é distinguida pelo engenho de Van Sant no tratamento da imagem, onde é auxiliado pelo belo trabalho fotográfico de Harris Savides. O estilo visual evoca o extremismo de alguns realizadores europeus e asiáticos, incluindo o húngaro Béla Tarr (admitida fonte de inspiração para Gus Van Sant, responsável por “Sátántangó” e “Kárhozat”, por exemplo), o grego Theo Angelopoulos e o asiático Hou Hsiao-hsien. O filme também evoca “Dead Man” de Jim Jarmusch, cujo enigmático herói se chamava William Blake.
A música derrama raiva, desespero, sofrimento e sede de morte. A enraivecida primeira música, “That Day”, acompanha um ténue movimento de câmara e reflexos de folhas açoitadas pelo vento que lhe incutem uma portentosa energia subsónica. Enquanto a segunda, “Death to Birth”, guarnece um dos momentos mais plangentes do filme. Blake senta-se e expira uma poderosa e moribunda canção, descobrindo pavorosamente que nem a sua música consegue provocar um impacto na sua essência.
A iconologia religiosa encontra-se cuidadosamente dispersa, desde um simbólico baptismo inicial, ao vulto de Blake que ostenta aquela imagem propalada de Cristo, passando pela aparição de dois Mormons e uma peculiar ascensão que também evoca um marco na história do Rock: “Stairway to Heaven”, dos Led Zeppelin.
Blake vagueia numa espécie de purgatório particular. Assistimos ao crepúsculo da sua alma, enquanto a escuridão assola lentamente o seu âmago. Seres flutuam como fantasmas, entrando e saindo da sua casa, completamente ignorados por Blake. Ele evita todos, desvanecendo paulatinamente deste mundo, sugado pelo seu vórtice interior. Van Sant adopta uma clínica observação distante dos eventos, permitindo que a audiência desemaranhe individualmente o nó que ata o mistério da personalidade humana, respectivas motivações e simbologia enigmática. Que se encontrará na caixa que Blake desenterra? Drogas, balas? Qual o significado do nome Blake? Sendo uma clara alusão ao poeta William Blake do século 18, cuja esposa proferiu: «A companhia de Mr. Blake é quase nula. Ele encontra-se sempre no Paraíso».



Um dos temas que o filme aborda é o isolamento e assim como ninguém se consegue aproximar de Blake no filme, também nós o observamos de longe. Van Sant e Savides isolam Blake, filmando-o distanciadamente com mestria e permitindo cogitações individuais na audiência. Os comentários da estrela rock são vagos murmúrios e um dos poucos perceptíveis funciona como um autêntico mantra: “I lost something on my way to wherever I am today”. O enviesado sentido de interior e exterior, fomenta a concepção de um autêntico limbo.
“Last Days” não expõe como nem porque morreu Cobain, mas incita a reflexão sobre como a morte poderá estar associada a uma época onde a espiritualidade almeja cinicamente multidões. A sociedade amamentou jovens que não vivem satisfeitos com a sua existência. Por múltiplos e diversos seres que os circundem, a solidão é uma condição inquebrantável. Nada consegue dissipar o espesso nevoeiro gerado pelo profundo tormento interior. São adolescentes que pelo menos uma vez na vida, ambicionam desaparecer e apesar da morte física não surgir, algo perece no âmago do indivíduo. Jovens que se prostram no leito dos seus quartos, ensopados numa brutal depressão, ansiando pelo derradeiro beijo da morte.
"Last Days” captura imaculadamente a facilidade do tombo num trágico abismo de depressão, solidão, desespero e abuso de drogas, no qual malogradas almas jazem. Entretanto, o Sol ainda desponta no horizonte, a brisa ainda afaga a folhagem das árvores, os pássaros celebram uma nova
alvorada chilreando e a vida continua. Gus Van Sant alcançou um sublime Nirvana.

fonte: http://pasmosfiltrados.blogspot.com.br/2005/10/last-days-de-gus-van-sant.html

2 - STONED - A HISTÓRIA SECRETA DOS ROLLING STONES

Esse foi um dos filmes que veio para meu acervo mental essa semana, tenho que confessar que ando com um dedo bom para filmes, esse eu realmente gostei muito, pois mostra o começo do Rolling stone, pela vida do seu fundador, que num periodo de sete anos foi do chão, ao topo, para então ruir e voltar, não mais para o chão, mas para o fundo do poço.

É impossível falar em Brian Jones sem se afundar na imagem que foi criada ao redor do músico inglês. Artista, estrela pop, ícone da moda, mulherengo e pioneiro da contracultura – Brian Jones foi tudo isto e mais. Durante os sete curtos anos da sua brilhante ascensão para o estrelado e fatídica queda, 1962 – 1969, tornou-se uma lenda da música – criando a mais notável banda de rock n’roll, os Rolling Stones. O engraçado em observar esses filmes de rockstar, é que sempre tem uma mulher no meio, que direta ou indiretamente, faz parte de sua ruina, com Brian não foi diferente, tendo  o amor levado ao consumo excessivo de drogas, a dependencia física e emocional evidente, que não o fez ver o que se passava ao seu redor. Um fato muito  interessante é que na época sua morte foi declarada acidental, porém muitos anos depois, em seu leito de morte o assassino confessou a autoria do crime, que enreda a trama do filme, como diria o investigador do caso kurt cobain "Quer se livrar de um crime, assassine um viciado, todos dirão que foi suicidio ou acidente pelas drogas". O filme deixa a parte musical e se prende já a parte mais degradante, o que também não agrada muito aos fãs, mas eu particularmente gostei.



A coisa mais importante que se deve ter em mente antes de encarar “Stoned” é que o filme não tenta se aproximar da verdade, apenas escolhe uma das muitas teorias já existentes para explicar o afogamento do roqueiro, na piscina da mansão onde morada, em 3 de julho de 1969. Ao optar por não filmar uma biografia completa do músico e narrar apenas os dias que antecederam a morte, o cineasta inglês perde de vista a objetividade e fracassa na tentativa de construir um personagem com a vulnerabilidade e as contradições de um ser humano comum. É o maior erro de “Stoned”.

O personagem que emerge da tela, à parte a excelente trabalho de reconstituição de época realizado pelo diretor (figurinos e cenários são reconstituídos de maneira impecável), é um mito, e não um homem. Brian Jones era, na visão de Wooley, um homem confuso e mentalmente instável, cujo talento e espírito de liderança foram progressivamente minados pela quantidade descomunal de drogas e bebida que ingeria. O outro grande personagem da trama é Frank Thorogood (Paddy Considine), construtor que trabalhava numa reforma para Jones e estava na casa na noite em que ele morreu. Mas o retrato de Frank, um ex-alcoólatra em recuperação, também é superficial.

Aquilo que “Stoned” tem de melhor é o visual exuberante, especialmente nos flashbacks que irrompem na história de quando em quando, as cenas no Marrocos, por exemplo, são muito legais. Infelizmente, os méritos ficam por aí. Stephen Wooley não tem nenhum pudor em explorar a nudez feminina, especialmente da bela Monet Mazur, intérprete de uma Pallenberg surpreendentemente conservadora e hesitante. Há grande número de seqüências de sexo, fotografadas com os clichês de um pornô softcore de segunda categoria (leia-se câmeras à luz de uma lareira qualquer e corpos nus se enroscando em coreografias que escondem, estrategicamente, a genitália dos atores). O todo é bem fraco.

Para terminar, a distribuidora Lumière, responsável pelo lançamento do filme no Brasil, também não economizou no oportunismo. Primeiro, escolheu um subtítulo nacional não apenas inadequado, mas mentiroso, pois as aparições dos outros integrantes dos Stones se resumem a pequenas pontas, sem falar que nem uma única canção da banda está na trilha sonora. Ainda por cima, a Lumière esperou para lançar a obra no Brasil no rastro da passagem barulhenta dos Stones pelo Brasil, em fevereiro de 2006.

Fonte http://musica.divulgueconteudo.com/247409-dica-de-filme-11-stoned-a-historia-secreta-dos-rolling-stones

3 - THE DOORS

Sem duvidas de todos os filmes assistidos essa semana, que foram muitos, esse foi meu favorito, já vou começar com a imagem da minha cena favorita ilustrando esse post, todo aquele mito do Shamã que acompanhava Jim Morrison durante seus shows, e que Jim fazia suas danças com ele no palco, foi transmitida em uma belissima cena, com uma fotografia memorável. O filme é baseado na história de Jim, apesar de que o seu inicio de relacionamento com a Pam Morrison ter sido mostrado em tom de especulação pois, segundo a biografia do tecladistada banda, o casal se conheceu em 1965, durante um show, e não na lendaria cena de Kim a seguindo até em casa, com seus poemas e suas musicas, dignos de um cara que eu me apaixonaria se conhecesse. Pam aparece com uma figura importante, mas é um casal totalmente louco e controverso, cheia de traições, brigas e fatos inusitados, mas no final, sempre juntos. Pam morrison morreu 3 anos depois de Jim, sua morte não foi documentada nesse filme, mas ela se entregou as drogas e ao caos depois que ele foi encontrado por ela, morto, no apartamento do casal, em Paris. Pam foi reconhecida como união estável de Jim Morrison depois de sua morte, a pedido dos pais da moça, mas mesmo antes disso já tinha herdado toda sua fortuna.
A trilha sonora também é um show a parte, incluindo musicas de rock psicodelico muito bem encaixadas, como uma linda cena com a musica "White Rabbit" do Jefferson's airplane.



Oliver Stone é diretor, roteirista, cronista e historiador especializado na década de 60, segundo ele: “esta foi à década de fortes turbulências”, Stone afirmava que a década começou em 63 com a morte de John Kennedy, e isto foi retratado no seu filme JFK, que foi incluído em quinto lugar na lista dos 25 filmes mais controversos de todos os tempos. Stone ganhou três Oscars, por Expresso da Meia Noite, Platoon e Nascido em 4 de Julho.
Por gostar bastante de fazer filmes que causem alguma polêmica, alguns críticos acusam Stone de ser um teórico da conspiração e que os seus filmes manipulam os espectadores, mas apesar disso muitos consideram também que Stone é considerado um dos melhores realizadores de Hollywood e também o mais controverso.

Após a morte de Jim Morrison em 1971 toda sua obra foi dividida em dois grupos representantes legais, de um lado havia os três integrantes restantes do The Doors (Manzarek, Krieger e Densmore) que possuíam os direitos legais das músicas, do outro lado havia Pamela Courson (namorada de Jim) que herdou todos os escritos e poemas que ele vinha trabalhando. Depois da morte de Pam, em 1974, os pais dela herdaram estes escritos que ficaram conhecidos como lost writings (textos perdidos).
Stone já alimentava a ideia de fazer um filme sobre o The Doors desde 1984, após a leitura do livro No One Here Gets Out Alive, livro básico sobre Jim Morrison e a história do grupo The Doors. Muitas restrições foram impostas para Stone após a ideia de gravar o filme, os pais de Pam, que haviam herdado os poemas e escritos, negaram qualquer permissão para usá-los no filme. Também contrariando Stone, o próprio pai de Jim pediu para que não fizesse filme algum sobre seu filho, pois poderia vir a manchar ainda mais a sua imagem.



Boa parte do roteiro do filme foi baseado em entrevistas com cerca de 20 pessoas próximas a Jim. O filme The Doors foi lançado em 1° de março de 1991, exatamente 22 anos depois do concerto em Miame em 1969, onde Jim saiu de si juntamente com o público e foi condenado por obscenidade, consumo de droga, etc. Para quem gosta do grupo e principalmente para quem conhecia mais profundamente a personalidade e a obra de Jim Morrison, se decepcionou bastante com o enredo pobre que mostra Jim constantemente vivendo a base de alucinógenos e álcool, totalmente depressivo e autodestrutivo, assim como não é mostrada a união que havia entre os membros do grupo. Sem contar o Jim como a figura Dionisíaca ao extremo, o deus do sexo e das drogas, que havia a constante necessidade de “levantar” seu espírito como um xamâ ao entrar em transe para assim hipnotizar multidões.
É inútil procurar a verdadeira alma de Jim, o poeta intelectual que começou a ler obras de grandes escritores com apenas 13 anos, fica difícil saber quando ele teria tempo para ler Nietzsche, T.S. Eliot, Rimbaud, Baudelaire, Blake e Shakespeare ou até mesmo quando ele teria escrito e publicado seus poemas.

Na ocasião do lançamento do filme, Ray Manzarek, tecladista e membro fundador da banda, detestou o que viu. “Stone fez Morrison parecer um tarado. Jim era muito mais inteligente, sensível e artístico, muito mais do que a estranha e superficial ideia que Stone exibiu. É um mau retrato do meu amigo”. Manzarek ainda sintetizou que “nós nos divertimos muito e tivemos ótimos momentos juntos” agora assista a The Doors, o filme e perceba como Stone coloca a relação da banda em queda descendente, com a ridícula exceção de uma “reunião final” onde os músicos dizem que adoraram tocar com o "Rei Lagarto" e ele se despede.



Após o lançamento do filme a crítica americana se apresentou bastante desfavorável, porém a crítica de Paris, Roma e Londres foram bem mais acolhedoras. Por si só Stone é conhecido como um diretor polêmico, não estou aqui limpando sua imagem perante a direção do filme, apena quis mostrar uma questão histórica que pouquíssimos conhecem em relação a elaboração do filme The Doors, o porquê da ausência de Jim Morrison como um dos mais célebres poeta do rock and roll.
Podemos concluir com estes dados históricos que se Oliver Stone tivesse acesso a toda obra literária de Morrison, que a família de Pam lhe negou qualquer aceso, o filme poderia ter sido melhor e muito bem aceito pelo público apreciador do grupo, é principalmente para os fãs do “Rei lagarto”. Stone deu a seguinte declaração para uma revista logo que começaram as gravações do filme: “Se meu filme for um fracasso, ele poderia ter sido salvo se tivesse podido usar os poemas”.
Para quem quiser conhecer a obra literária de Jim: A obra “literária” de Jim Morrison está hoje contida em dois volumes bilíngues, editados na França

Fonte: http://lounge.obviousmag.org/itinerario_interno/2013/01/the-doors-oliver-stone-por-que-tanto-decadentismo.html#ixzz3m2LtF2VP

4 - CONTROL - Um filme sobre Ian Curtis

Este filme é otimo para quem quer entender um pouco do mundo post punk  seus famosos  clubs e bandas que influência o movimento Dark até hoje. O filme é concentrado na vida pessoal e Ian curtis, vocalista da banda Joy division, e mostra suas diversas fases, desde seu trabalho numa agência, seu casamento precoce, a luta contra a epilipsia e seu triangulo amoroso que o levou ao suicídio. Ian teve uma vida curta, suicidando-se aos 23 anos, uma vida cheia de pressões e duvidas.


Joy Division foi uma das bandas mais importantes da história do rock. Famosa por suas letras depressivas e claustrofóbicas com melodias bastante densas. Tudo isso fez da banda uma das mais adoradas da história do rock. Mas o que marcou fortemente sua história foi com toda certeza seu vocalista: Ian Curtis. De personalidade forte, totalmente introspectivo e vivendo em seu próprio mundo, Ian foi a personificação de pessoas problemáticas que vivem em uma realidade particular, como Sid Vicious, Kurt Cobain entre outros. Desde jovem mostrou-se um jovem revoltado que escrevia poemas bastante melancólicos e adorava rock, especialmente David Bowie e Iggy Pop. Mas como transpor para as telas toda a vida tumultuada de problemas e solidão que Curtis levou? É esse desafio que o diretor Anton Corbijn aceitou realizar em seu filme “Control – A História de Ian Curtis (Control, 2007)”.
Conhecido por realizar clipes musicais como Personal Jesus do Depeche Mode e Heart-Shaped Box do Nirvana, Anton realizou um filme primoroso. Primeiramente na escolha de filmar toda a película em P&B o que nos mostra como Ian vê seu mundo: sem brilho e totalmente depressivo. Isso funciona como um espelho da personalidade do vocalista. Outro ponto positivo da escolha desse tipo de filmagem combinado a fotografia do filme foi em colocar o personagem sempre nas partes escuras da tela, mostrando novamente um reflexo da sua personalidade.
O roteiro aposta em mostrar a carreira do músico desde quando conheceu os outros integrantes da banda até sua morte prematura aos 23 anos. Em diversos momentos o que vemos projetado na tela são os monólogos de Ian, poemas seus e conversas que mantém com si mesmo. É justamente aí que residem os melhores momentos do filme, pois são em cenas como essa que nos aprofundamos na sua alma e nos colocamos como um “psicólogo”, prestes a ouvir todo o desabafo do personagem. Os seus pensamentos demonstram suas tristezas, problemas que enfrenta e mais do que tudo isso, a forma como ele percebe o mundo. É como se entrássemos na cabeça do vocalista. Assim como outras cinebiografias já existentes que apostam em mostrar os problemas do passado de determinada pessoa para justificar seus atos no presente, essa se diferencia também nesse aspecto. Toda a personalidade e atitudes diferenciadas de Curtis são justificadas nos seus problemas presentes e não em traumas infantis ou juvenis. Por isso mesmo o filme consegue escapar da zona de filmes biográficos que se tornam clichês.



Grande parte da beleza do filme é graças ao roteiro e a direção como já foi dito. Mas o que falta para filmes biográficos conseguirem atingir seu objetivo é algo óbvio: um ator que interprete com vigor todas as faces do artista a ser retratado nas telas. É nesse critério que entra o nome mais importante do filme: Sam Riley. O ator/músico foi a “cereja em cima do bolo” que faltava para que esse filme se tornasse o que se tornou. Sua interpretação do músico é impecável, conseguindo captar toda a aura psicológica extremamente densa que era a personalidade de Ian Curtis. Ele tem momentos primorosos ao longo do filme que vão desde os monólogos já ditos, passando pelas brigas que mantinha com sua esposa até os ataques de epilepsia que o músico sofria. Ainda em relação aos atores vale ressaltar a boa interpretação dos coadjuvantes. Os outros músicos da banda (Bernard Summer, Peter Hook e Stephen Morris), estão bem representados e visualmente muito parecidos com os verdadeiros.
Mesmo para os que não conhecem a banda é um ótimo filme para vir a conhecer seu trabalho e apreciar um ótimo filme inglês; um cinema que vem ganhando cada vez mais público e respeito da crítica. Para os que já conhecem, vale a pena se emocionar em ver a história do vocalista tão bem contada e realizada nas telas.

Fonte; http://1filme.net/control-a-historia-de-ian-curtis-2007/

5 - Johnny & June

É claro que não poderia deixar de aparecer um Johnny Cash em nosa lista rock n'roll, um filme simples que conta a história de Cash desde sua infância, marcada pela tragédia, brigas familiares, casamento fracassado, drogas, e é claro, seu amor que foi sua salvação por June. Um filme onde ninguém é herói ou vilão, apenas sguindo a narrativa, misturando bem a  exploração do lado musical com a vida pessoal do protagonista



“Johnny e June” (Walk The Line), um romance biográfico que retrata a vida do cantor Johnny Cash desde sua infância, passando pelo tempo de serviço militar, seu casamento com Vivian, sua luta (difícil e a princípio infrutífera) para se tornar cantor em Memphis, a chegada do sucesso nas turnês com Elvis, Jerry Lee Lewis e June Carter e seu problema com as drogas.

Baseado no livro de Johnny Cash e Patrick Carr, o roteiro foi escrito por Gill Dennis e James Mangold (este também dirigiu o filme) foca não apenas no romance (também bem complicado) de Johnny Cash e June Carter, mas em como ele compõe suas músicas. Cada canção que Cash escrevia se referia a episódios de sua vida, o que torna a narrativa bem amarrada e super interessante. É incrível também perceber o lado humano de Cash, que ora é um incorrigível bad boy viciado, ora tentava ser bom moço para conquistar o coração de June. Outro detalhe interessante é notar como ele não tinha preconceito com criminosos e se preocupava com a vida dos presos, que lhe escreviam cartas provenientes de várias prisões.

Mas uma biografia nunca é boa se não apresentar em seu elenco grandes atores capazes de entenderem sua importância e construírem personagens incríveis e, principalmente, verdadeiros! As escolhas para os papeis principais foram, a meu ver, ousadas. Joaquin Phoenix foi escolhido para interpretar  Johnny Cash, enquanto Reese Witherspoon teve a missão de dar vida a June Carter no cinema.
Phoenix já possuía em seu currículo grande experiência em dramas e estava acostumado a ser protagonista. Já havia sido indicado ao Oscar de melhor ator coadjuvante quando interpretou o imperador romano Lúcio Aurélio Cómodos, no premiadíssimo “Gladiador” (Gladiator, 2000), vencedor de 5 Oscars, incluindo o de melhor filme. “Contos Proibidos do Marquês de Sade”, “Sinais”, “A Vila”, “Hotel Ruanda” e “Brigada 49” também são filmes densos, que colocaram a prova o talento dramático do ator antes de estrelar “Johnny e June”. E só para você ver como a música influenciou Phoenix, recentemente ele anunciou sua aposentadoria do cinema para se dedicar a sua carreira musical, iniciada durante a produção deste filme. Vale lembrar que ele ganhou o Globo de Ouro de Melhor Ator – Comédia/Musical e o Grammy de Melhor Trilha Sonora de Filme, ambos por “Johnny e June”.
No entanto, a escolha de Witherspoon para interpretar June Carter surpreendeu, pois a então mais bem paga de Hollywood só alcançou a fama ao protagonizar a sátira sobre os preconceitos que pesam sobre uma loira ingênua e superdotada, defensora dos animais, sempre vestida com roupas cor-de-rosa, nas comédias “Legalmente Loira” (Legally Blonde, 2001) e “Legalmente Loira 2” (Legally Blonde 2, 2003). Apesar da aparente “inexperiência” no gênero, a atriz foi aclamada pela crítica em sua performance como June, que resultou nos prêmios de Melhor Atriz no Oscar, Globo de Ouro – Comédia/Musical, Prêmio Screen Actors Guild, BAFTA, Satellite Award – Comédia/Musical e no Critics Choice Awards. Foi longe a loirinha (neste de cabelo castanho)?



Enfim, “Johnny e June” é um filme excelente, que retrata de forma primorosa a vida de Johnny Cash sem transformá-lo em herói ou vilão. A história apenas foi fiel ao que ele foi, como deve ser todas as biografias.

Fonte: http://cinemacao.com/2014/05/21/johnny-e-june/#sthash.oDJto408.dpuf


É  isso ai pessoal, o post de hoje ficou bem mais extenso do que o da semana passada, pois quando se fala de filme com inspiração biográfica é bom deixar referências bem explicativas, pois temos que entender que sempre tem m dedinho de "visão de fã" no meio, de como o diretor pensa que deveria ter sido. No ultimo post de filmes, da semana passada, tem duas dicas preciosas de filmes inspirado em bandas também: Montage of heck e Jimmi, tudo ao meu favor, que merecem também ser assistidos
Quem quiser deixar dicas de filmes nos comentários é muito bem vindo
até proximo final de semana  com mais dicas de filmes
beijão